5 aufstrebende Künstler für 2026: Neue Materialsprachen für Sammler

Wirklich interessante aufstrebende Künstler für 2026 findet man nicht allein durch das Durchscrollen einer Namensliste. Sichtbarkeit kann sehr schnell wachsen. Sie ist jedoch nicht dasselbe wie eine künstlerische Sprache, die über Jahre hinweg trägt.

Für Sammler, Kuratoren und Galerien auf der Suche nach Neuem in der zeitgenössischen Kunst ist eine Frage besonders hilfreich: Was macht dieser Künstler mit Material, Verfahren oder Bildgestaltung, das sich nicht ohne Weiteres ersetzen lässt?

Die fünf Positionen dieser Auswahl unterscheiden sich deutlich. Eine verwandelt Stickerei in Architektur. Eine andere bewegt sich zwischen Wachs, Pflanzenfarben, Skulptur und Film. Eine weitere baut Gemälde durch Schichten und das Freilegen ihrer Oberflächen auf. Eine nutzt Klimafiktion und planetarische Bildwelten, um Landschaft neu zu denken. Und eine hat ein transparentes Malmedium entwickelt, das zur Grundlage einer eigenen Sprache namens Moltenism wurde.

Dies ist weder eine Anlagerangliste noch eine Prognose künftiger Preise. Es ist eine redaktionelle Auswahl aufstrebender und international durchstartender zeitgenössischer Künstler, deren Arbeit derzeit Materialspezifik, erkennbare Autorschaft und aktuelle Entwicklung auf überzeugende Weise verbindet.

Redaktioneller Hinweis: MOLODA ART GALLERY veröffentlicht dieses Journal und arbeitet direkt mit Olena Moloda zusammen, die in dieser Auswahl vertreten ist. Ihre Aufnahme ist keine unabhängige Marktbestätigung. Wir stellen sie vor, weil sich dieser Artikel ausdrücklich mit eigenständigen Materialsprachen befasst und Moltenism im Mittelpunkt unseres eigenen Programms steht.

Was macht einen aufstrebenden Künstler interessant?

Dafür gibt es keine Formel. Eine junge künstlerische Position kann einen bedeutenden institutionellen Auftrag erhalten und trotzdem am Anfang einer langen Laufbahn stehen. Eine andere arbeitet jahrelang unabhängig, bevor sie breitere Anerkennung findet. „Aufstrebend“ ist deshalb nicht einfach eine Alterskategorie.

Für diese Liste haben wir auf fünf Dinge geachtet:

• Eine eigenständige visuelle oder materielle Sprache. Die Arbeit sollte nicht mit der Dutzender anderer Künstler austauschbar wirken.
• Ein bedeutungstragendes Verfahren. Material und Technik sollten zur Bedeutung des Werks beitragen und nicht bloß dekorativ eingesetzt werden.
• Ein Werkzusammenhang statt eines einzelnen viralen Bildes. Es sollte genügend Kontinuität geben, um die künstlerische Denkweise erkennen zu können.
• Aktuelle Entwicklung. Ausstellungen, Interesse von Galerien, institutionelle Projekte oder glaubwürdige redaktionelle Aufmerksamkeit können zeigen, dass andere Teile des Kunstbetriebs auf die Arbeit aufmerksam werden.
• Raum für Weiterentwicklung. Besonders interessante Künstler bleiben nicht in dem gefangen, was sie zunächst erkennbar gemacht hat.

Wenn Sie als Sammler an junge Kunst herangehen, erläutert unser ergänzender Leitfaden 10 Anzeichen dafür, dass ein aufstrebender Künstler eine tragfähige Karriere aufbaut, wie sich Kontinuität, Dokumentation, Ausstellungen, Preisgestaltung und Provenienz bewerten lassen – ohne vorzugeben, den künftigen Marktwert vorhersagen zu können.

1. Klára Hosnedlová – wenn Stickerei zu Architektur wird

Klára Hosnedlová ist eine 1990 geborene tschechische Künstlerin, deren Praxis die traditionellen Grenzen der Textilkunst weit hinter sich gelassen hat. Ihre Installationen verbinden Stickerei, Skulptur, Architektur, Fotografie und präzise inszenierte Räume zu Umgebungen, die zugleich archäologisch und futuristisch wirken.

Besonders interessant ist bei Hosnedlová der Maßstabswechsel. Stickerei wird meist aus der Nähe betrachtet und mit Arbeit, Berührung und häuslichem Handwerk verbunden. Hosnedlová lässt sie architektonischen Raum einnehmen. Das textile Element ist nicht länger ein Detail innerhalb einer Installation; es kann zu einer der Strukturen werden, durch die man die gesamte Umgebung erlebt.

Ihre Ausstellung Echo bei White Cube Bermondsey von 2026 erweiterte diesen Ansatz zu immersiven Umgebungen über Zeit, maschinell erzeugte Zukünfte, idealisierte Natur und handwerklich geprägte Vergangenheit. In New York eröffnete im März 2026 ihre ortsspezifische Installation Shelter im New Museum als ihr erstes Museumsprojekt in den USA.

Warum Sammler und Galerien aufmerksam werden

Hosnedlová ist längst keine unbekannte Entdeckung mehr. Ihre institutionelle Laufbahn gewinnt an Tempo. Gerade deshalb lohnt es sich, sie zu beobachten: Sie zeigt, wie eine sehr spezifische, handwerklich geprägte Sprache die Dimension großer zeitgenössischer Installationen erreichen kann, ohne ihre erkennbare Autorschaft zu verlieren.

Für Sammler lautet die Frage nicht einfach, ob Stickerei „zurück“ ist. Entscheidend ist, ob eine Künstlerin ein Medium so grundlegend verwandelt hat, dass das Verfahren untrennbar zur Identität des Werks gehört. Hosnedlová ist das gelungen.

Was als Nächstes interessant wird

Spannend ist, wie sich ihre Sprache zwischen unterschiedlichen Maßstäben übersetzen lässt. Monumentale Installationen können institutionelle Sichtbarkeit schaffen, während kleinere Arbeiten genügend konzeptuelle und materielle Dichte bewahren müssen, um für sich zu bestehen. Die Spannung zwischen intimer Textilarbeit und architektonischem Anspruch dürfte einer der überzeugendsten Aspekte ihrer Praxis bleiben.

2. Diambe – Bienenwachs, Pigment, Ökologie und ein lebendiges Materialsystem

Diambe, geboren 1993, arbeitet mit Skulptur, Malerei und Film. Die Praxis verbindet Materialien, die im wörtlichen wie im symbolischen Sinn ungewöhnlich lebendig sind: Textilien, Lebensmittel, Eitempera, Pflanzenfarben, Bronze und Bienenwachs treffen auf Erzählungen über Körper, Territorium, Rituale, Ökologie und kulturelles Gedächtnis.

Die Ausstellung Bees beings beans in der Kunsthalle Basel wurde 2026 als Diambes bislang größte institutionelle Einzelausstellung vorgestellt. Neue Skulpturen, Malerei und Film kreisten um die Welt der Bienen und bewegten sich zwischen Verletzlichkeit, Verlust, Verwandlung und Wiedergeburt.

Der Reiz liegt nicht einfach in einer ungewöhnlichen Materialliste. Viele zeitgenössische Künstler verwenden organische Stoffe. Diambe zeichnet aus, wie Materialverhalten und historische Bedeutung miteinander verwoben werden. Bienenwachs ist haptisch und veränderlich; Pflanzenfarben tragen Farbe, aber auch Geschichten von Rohstoffgewinnung und Umwelt; Lebensmittel können Nahrung, Ritual, Verfall und Wirtschaft andeuten.

Warum Sammler und Galerien aufmerksam werden

Diambe steht für eine wichtige Richtung der aufstrebenden zeitgenössischen Kunst: Die alte Trennung zwischen Malerei, Skulptur, Installation und ökologischem Prozess löst sich auf. Diese Arbeiten verlangen eine körperliche Wahrnehmung statt einer Betrachtung als flaches Bild.

Das ist bedeutsam in einer Zeit, in der wir Kunst oft zuerst auf dem Smartphone begegnen. Eine Praxis, die vor Ort wesentlich reicher wird, besitzt eine andere Form von Knappheit: keine digitale, sondern eine erfahrungsbezogene. Man muss vor dem Werk stehen, um zu verstehen, was die Materialien tun.

Was als Nächstes interessant wird

Die nächste Frage lautet, wie weit sich dieses Materialvokabular ausdehnen lässt, ohne zu einem wiedererkennbaren Rezept zu werden. Die stärksten Künstler mit ungewöhnlichen Materialien verändern fortlaufend das Verhältnis zwischen Medium und Idee. Diambes Wechsel zwischen Film, Skulptur und Malerei schafft Raum, um nicht vorhersehbar zu werden.

3. Connie Harrison – Malerei als Schichten, Abkratzen und Freilegen

Connie Harrison ist eine 1993 geborene britische Malerin, die in London lebt. Ihre Landschaften entstehen in einem Verfahren, das den üblichen Bildaufbau beinahe umkehrt. Ölfarbe und durchscheinende Wachspaste werden auf Holztafeln geschichtet und anschließend abgeschabt und eingeschnitten, sodass frühere Spuren wieder an die Oberfläche treten.

Das Ergebnis ist visuell üppig, doch entscheidend ist die Struktur: Das Gemälde enthält seine eigene Geschichte. Spuren werden überdeckt und wiederentdeckt. Manche Bereiche verdichten sich, andere öffnen sich. Die Oberfläche verhält sich weniger wie ein einzelner Moment als wie eine Ablagerung.

Harrisons offizielle Biografie beschreibt das Verfahren als Freilegen der Komposition. Die Ausstellung STRATA in der Nino Mier Gallery von 2025 zeigte große Öl-und-Wachs-Arbeiten auf Holz, darunter Grass to Grace, Brittle Lapping und Rose Parting.

Im Juni 2026 stellte House & Garden Harrison in einem Beitrag über sammelnswerte aufstrebende Künstler vor. Kunstberaterin Lizzie Dixey bezeichnete sie als eine Position, die man im Blick behalten sollte, und hob ihre fotografischen Vorlagen sowie die Schichtung von Wachspaste und Ölfarbe hervor.

Warum Sammler und Galerien aufmerksam werden

Harrisons Arbeit befindet sich in einem interessanten Spannungsfeld zwischen Landschaftsmalerei und physischem Objekt. Aus der Entfernung können Vegetation, Wald oder Atmosphäre erkennbar sein. Aus der Nähe weicht das Motiv Kratzspuren, Wachs, Tiefe und freigelegten Schichten.

Diese doppelte Lesbarkeit ist für Sammler reizvoll, weil sie das schafft, was wir den Wert des zweiten Blicks nennen: Das Werk gibt nicht alles auf einmal preis. Bild und Oberfläche unterbrechen einander immer wieder.

Was als Nächstes interessant wird

Entscheidend wird sein, ob Harrison das Vokabular des Freilegens weiterentwickeln kann, statt lediglich eine erfolgreiche Textur zu wiederholen. Ihre stärksten Arbeiten lassen vermuten, dass das Verfahren unterschiedliche Landschaften, Formate und Grade visueller Dichte tragen kann.

4. Paula Turmina – Klimafiktion, planetarische Landschaften und ein punkiges Raumgefühl

Paula Turmina, 1991 in Brasilien geboren und in London ansässig, arbeitet mit Malerei, Druckgrafik, analogem Film und Text. Ihre Bilder führen häufig durch rote, mineralische Landschaften mit hybriden Körpern, Pflanzen, Insekten und Figuren, die eine Welt nach der Veränderung vertrauter ökologischer Regeln zu bewohnen scheinen.

Ihre Arbeit bezieht sich auf Bodenökologien, Klimafiktion, koloniale Geschichte und spekulative Zukünfte. Statt den Klimawandel unmittelbar zu illustrieren, erschafft sie Umgebungen, in denen Anpassung bereits zum Alltag gehört.

2026 zeigte Instituto de Visión in New York Space Is Punk, Turminas erste Einzelausstellung mit der Galerie. Die eigens dafür entstandenen Werke entwickelten eine Bildsprache, die teilweise von Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts angeregt war.

Auch Turminas offizielle Website verzeichnet die New Yorker Ausstellung von 2026 sowie weitere institutionelle und Galerieprojekte. Dies ist damit eine besonders aktive Phase ihrer künstlerischen Entwicklung.

Warum Sammler und Galerien aufmerksam werden

Zeitgenössische Kunst über Ökologie gibt es reichlich. Turmina zeichnet aus, dass sie die Bildsprache der Umweltreportage vermeidet. Ihre Gemälde sind spekulative Welten. Sie nutzen Science-Fiction, Farbe und körperliche Verwandlung, um ökologische Fragen erneut fremd und ungewohnt erscheinen zu lassen.

Das ist wichtig, weil ein so großes Thema wie das Klima leicht beliebig werden kann. Turminas rote Landschaften und hybride Figuren bilden ein erkennbares Universum, statt konventioneller Malerei lediglich eine ökologische Aussage hinzuzufügen.

Was als Nächstes interessant wird

Die Praxis bietet Raum für eine stärkere räumliche und filmische Entwicklung. Da Turmina bereits mit Film und Text arbeitet, könnten sich ihre gemalten Welten über die Leinwand hinaus ausdehnen, ohne die Bildsprache aufzugeben, die sie erkennbar macht.

5. Olena Moloda – Moltenism und die Entwicklung eines neuen Malmediums

Olena Moloda ist eine ukrainische Künstlerin auf Gran Canaria in Spanien und die Begründerin von Moltenism. Ihre Arbeit beginnt mit einem in der zeitgenössischen Malerei ungewöhnlichen Ansatz: Statt ein überliefertes Medium an einen neuen Stil anzupassen, entwickelte sie ein transparentes Malmedium eigens für das Verhalten, das sie auf der Leinwand erreichen wollte.

Das Material kann durchscheinende Schichten, glänzende Partien, erhabene Linien, Farbansammlungen und plastische Reliefzonen bilden. Schwerkraft, Viskosität, Druck, Zeitpunkt und Bewegung beeinflussen das Ergebnis. Moloda kontrolliert Palette, Richtung, Komposition und Balance; zugleich behält das Medium genügend physische Eigenständigkeit, sodass sich zwei Werke nicht exakt reproduzieren lassen.

Diese Verbindung von Kontrolle und Unvorhersehbarkeit bildet die Grundlage von Moltenism. Die Oberfläche kann an geschmolzenes oder farbiges Glas erinnern. Entscheidend ist jedoch nicht diese Ähnlichkeit, sondern dass Transparenz, Glanz und Relief zur Materialsprache des Werks gehören und nicht nachträglich als dekorativer Effekt hinzugefügt werden.

Das Verfahren erläutern wir ausführlicher in Warum jedes originale Moltenism-Gemälde einzigartig ist.

Warum Sammler und Galerien genauer hinsehen sollten

Molodas Marktposition unterscheidet sich deutlich von der Hosnedlovás oder Diambes. Ihre Arbeit wird bislang vor allem in einem unabhängigen, von der Künstlerin selbst getragenen Kontext in Las Palmas präsentiert und nicht innerhalb eines großen internationalen Galeriesystems. Gerade dieser Unterschied macht sie für ein Gespräch über Entdeckungen interessant.

Für Sammler oder Galerien auf der Suche nach einem wirklich eigenständigen Verfahren hat Moltenism eine besondere Qualität: Es ist erkennbar, ohne von einer einzigen wiederholten Komposition abhängig zu sein. Seine Identität entsteht durch das Materialverhalten – Transparenz, Fluss, erhabene Linien, Schichtung und Reflexion. Das gibt der Künstlerin Raum, Palette, Format und Struktur zu verändern, ohne ihre Autorschaft zu verlieren.

Was als Nächstes interessant wird

Die nächste Phase von Moltenism besteht weniger darin, die Gemälde komplizierter zu machen, als darin, die Materialsprache in weitere kuratorische Zusammenhänge einzubringen. Großformate, ortsspezifische Werkgruppen, der Dialog mit Architektur und Ausstellungen zu Materialinnovation könnten Aspekte des Mediums sichtbar machen, die sich anhand einzelner Onlinebilder schwerer erschließen.

Sammler, Kuratoren und Galerien können aktuelle Moltenism-Arbeiten entdecken, verfügbare Originalkunstwerke ansehen oder MOLODA ART GALLERY kontaktieren, um Atelierinformationen und Auskünfte zur Verfügbarkeit zu erhalten.

Was diese fünf aufstrebenden Positionen verbindet

Auf den ersten Blick wenig. Hosnedlovás monumentale Stickereiräume sind weit von Harrisons mit Wachs aufgebauten Landschaften entfernt. Diambes organische Systeme sehen anders aus als Turminas spekulative rote Welten, und Moltenism ähnelt keiner dieser Positionen.

Doch es gibt eine tiefere Verbindung: Material ist nicht mehr bloß ein neutraler Träger eines Bildes.

In allen fünf Praktiken wird die Art der Herstellung zu einem Teil der Bedeutung.

• Hosnedlová verwandelt arbeitsintensive Textilverfahren in räumliche Architektur.
• Diambe lässt organische und historisch aufgeladene Materialien an ökologischen Erzählungen mitwirken.
• Harrison schreibt Zeit in die Malerei ein, indem sie frühere Schichten überdeckt und wieder freilegt.
• Turmina nutzt die Materialität von Landschaft und Pigment, um spekulative ökologische Welten zu schaffen.
• Moloda entwickelt das Malmedium selbst als Teil ihrer künstlerischen Sprache.

Das könnte erklären, warum materialorientierte Praktiken gerade jetzt besonders relevant erscheinen. Digitale Bilder haben nahezu jeden visuellen Stil unmittelbar reproduzierbar gemacht. Ein physisches Verfahren, das sich nicht vollständig auf ein Vorschaubild reduzieren lässt, verleiht dem Originalobjekt neue Bedeutung.

Das bedeutet nicht, dass „handgemacht“ automatisch gute Kunst ist. Es bedeutet, dass Materialspezifik zu einer der stärksten Formen von Autorschaft werden kann, wenn sie mit einer schlüssigen Idee verbunden ist.

Worauf Sammler vor dem Kauf achten sollten

Listen wie diese können bei der Entdeckung helfen, sollten aber niemals die sorgfältige Betrachtung der Werke ersetzen.

Wenn Sie den Erwerb eines Werks eines aufstrebenden zeitgenössischen Künstlers erwägen, stellen Sie einige praktische Fragen:

• Erkennen Sie die künstlerische Denkweise in mehreren Werken wieder? Eine kohärente Praxis ist wichtiger als ein einzelnes spektakuläres Bild.
• Entsteht durch das Verfahren etwas Notwendiges? Ungewöhnliche Materialien sind nur dann interessant, wenn die Arbeit sie tatsächlich braucht.
• Gibt es eine professionelle Dokumentation? Titel, Datierungen, Maße, Materialien, Rechnungen und Provenienz sollten klar sein.
• Sind die Preise nachvollziehbar und konsistent? Tragfähige Karrieren werden meist behutsamer aufgebaut, als spekulative Preissprünge vermuten lassen.
• Entsteht unabhängige Aufmerksamkeit? Ernsthafte Ausstellungen, Kuratoren, Galerien, Publikationen und wiederkehrende Sammler können hilfreichen Kontext liefern.
• Würden Sie das Werk auch dann behalten wollen, wenn sein Preis nie steigt? Das ist eine der wichtigsten Fragen beim Sammeln.

Eine vertiefende Orientierung bieten Woran erkennt man gute zeitgenössische Kunst? 7 Kriterien und Warum ist zeitgenössische Kunst so teuer?.

Was macht einen neuen Künstler für eine Galerie interessant?

Galerien stehen vor einer anderen Aufgabe als Sammler. Sie wählen nicht ein einzelnes Objekt aus. Sie überlegen, ob eine künstlerische Praxis über längere Zeit Ausstellungen, Gespräche und Entwicklung tragen kann.

Ein überzeugender aufstrebender Künstler muss keine vollständig ausgearbeitete „Marke“ mitbringen. Zu viel Wiederholung kann sogar ein Warnsignal sein. Entscheidend ist ein erkennbarer Kern, der sich weiterentwickeln kann.

Besonders hilfreiche Anzeichen sind:

• eine Sprache, die nach einem Atelierbesuch im Gedächtnis bleibt;
• ein Verfahren, das neue Werkgruppen hervorbringen kann statt endloser Varianten eines erfolgreichen Einzelwerks;
• klare professionelle Dokumentation und verlässliche Kommunikation;
• eine Ausstellungsgeschichte, die wachsenden Kontext statt zufälliger Sichtbarkeit erkennen lässt;
• die Fähigkeit, über die Arbeit zu sprechen, ohne sie unter Fachjargon zu begraben;
• praktisches Bewusstsein für Format, Transport, Installation und Konservierung;
• und vor allem Hinweise darauf, dass der Künstler weiterhin Fragen stellt, statt lediglich ein wiedererkennbares Produkt zu liefern.

Hier wird Materialinnovation besonders interessant. Ein eigenständiges Verfahren bietet einer Galerie einen konkreten Ausgangspunkt für ein kuratorisches Gespräch – allerdings nur, wenn der Künstler es weiterentwickelt.

Wo Sammler und Galerien neue Kunst finden, bevor sich ein Konsens bildet

Die offensichtlichsten Namen sind meist am leichtesten zu finden. Entdeckungen geschehen früher an weniger zentralen Orten: in jungen Galerieprogrammen, auf kleineren Kunstmessen, in selbstorganisierten Kunsträumen, offenen Ateliers, regionalen Szenen, Residenzausstellungen, Museumsgruppenausstellungen und unabhängigen Publikationen.

Es lohnt sich auch, außerhalb der großen Kunstmetropolen zu suchen. Wer in São Paulo, Las Palmas, Prag oder einer anderen geografisch peripheren Szene arbeitet, entwickelt möglicherweise unter ganz anderen Bedingungen eine Sprache als jemand, dessen gesamte Karriere innerhalb der Londoner oder New Yorker Netzwerke verläuft.

Das Internet hat diese Szenen sichtbar gemacht, zugleich aber ein neues Problem geschaffen: zu viele visuelle Informationen. Der Vorteil von Sammlern liegt heute nicht im Zugang. Er liegt in der Aufmerksamkeit – in der Fähigkeit, über das erste Bild hinauszusehen und zu fragen, ob eine Praxis Tiefe besitzt.

Fünf Positionen, fünf unterschiedliche Gründe hinzusehen

In der zeitgenössischen Kunst gibt es nicht den einen „nächsten Trend“. Das interessantere Bild ist vielfältig.

Klára Hosnedlová zeigt, wie Handwerk zu Architektur werden kann. Diambe behandelt organische Materie als Teil eines lebendigen Erzählsystems. Connie Harrison macht die Geschichte eines Gemäldes durch Freilegen sichtbar. Paula Turmina verwandelt Klimaängste in spekulative Welten statt in Illustrationen. Olena Moloda entwickelt eine Sprache aus dem Verhalten eines selbst entwickelten transparenten Malmediums.

Nichts davon garantiert Markterfolg. Es bewirkt etwas Nützlicheres: Es gibt Sammlern und Galerien einen Grund, weiter hinzusehen.

Wenn Sie sich besonders für neue Kunstströmungen und Materialinnovation interessieren, lesen Sie auch 5 neue Kunstströmungen, die Sie 2026 im Blick behalten sollten.

Als Sammler, Kurator oder Galerie auf der Suche nach neuen Materialansätzen in der Malerei können Sie außerdem Moltenism von Olena Moloda entdecken oder MOLODA ART GALLERY kontaktieren, um aktuelle Werke, Atelierdokumentation und weitere Informationen zu erhalten.

Ausgewählte Quellen und weiterführende Lektüre

• White Cube – Klára Hosnedlová, Echo, 2026
• White Cube – Klára Hosnedlová im New Museum, 2026
• Museen Basel / Kunsthalle Basel – Diambe, Bees beings beans
• Connie Harrison – Biografie der Künstlerin
• Nino Mier Gallery – STRATA, 2025
• House & Garden – sammelnswerte aufstrebende Künstler, 2026
• Instituto de Visión – Paula Turmina, Space Is Punk, 2026
• Paula Turmina – offizielle Website der Künstlerin
• MOLODA ART GALLERY – Warum jedes originale Moltenism-Gemälde einzigartig ist